Six mois seulement après le début d’une bonne année musicale, nous avons vu d’étranges disques galactiques des innovateurs R & B Solange et Flying Lotus. Dans le milieu très peuplé du hip-hop, des talents émergents tels que Denzel Curry, Little Simz et Zelooperz se sont séparés du groupe, sans oublier Tierra Whack, dont les cinq singles ont élargi la vue de son monde singulier et surréaliste. En indie et en rock, cela a été une année riche en retours: le National et le Vampire Weekend semblaient annoncer de nouveaux âges fascinants en tant que groupes, tandis que Sharon Van Etten, Jenny Lewis et Weyes Blood ont publié des œuvres ambitieuses, sans doute les meilleures à ce jour. . Et toute autre année dans la pop, un album comme Ariana Grande Merci U, Suivant régnerait facilement jusqu'en décembre, mais 2019 est l’année de 17 ans, Billie Eilish, interrompue pour demander, Quand nous nous endormons tous, où allons-nous?. Si 2019 se terminait ici aujourd'hui, nous aurions déjà une liste satisfaisante d'albums de l'année. Heureusement, il reste beaucoup à faire, mais voici une trentaine de personnes qui se sont démarquées jusqu’à présent.
LPs
Benny chante, City Pop
Au cours des dernières années, on a assisté à un regain d’intérêt pour la «pop urbaine», le sous-genre japonais de la pop moderne et polyglotte des années 80. L'artiste hollandais Benny Sings, Benny Sings, reprend sur son album du même nom le concept issu des compilations YouTube et des samplists Vaporwave, réalisant une série de coupes pop amusantes et amusantes, soudées par une voix translucide et une musicalité hors du commun. C’est le sixième album de la chanteuse, mais d’abord pour Stones Throw, un réglage qui permet de clarifier son ingrédient secret: Ce truc frappe, à l’instar de Steely Dan. Mais plus que tout, c’est l’attitude irréprochable de Benny qui rend l’album si écoutable. City Pop est le rare album conçu pour être aussi intelligent qu'amusant, et il réussit sauvagement. (Clayton Purdom)
Big Brave,
Faut-il du courage pour écrire des chansons aussi longues, fortes et monolithiques que les quatre épopées costaudes (et un interlude instrumental) qui composent le quatrième album titanesque de Big Brave? Si “brave” est discutable, il n’ya vraiment pas de contestation de la vérité dans la publicité offerte par premier mot dans ce trio montréalais. Un regard parmi eux c’est énorme: dans l’immensité de ses percussions et de ses guitares déformées, et dans l’émotion démesurée de la chanteuse frontale Robin Wattie, qui passe d’une voix fantomatique à une voix passionnée, accompagnée du grain de la musique qui s’écrase dramatiquement autour. Heureusement, les mélodies frappées au sommet du volume par Big Brave sont également XXL; la mélodie assure que cette fusion classée de manière variable de drones, de bruits et de doom metal est agréable, et pas seulement dommageable, pour les oreilles. (A.A. Dowd)
Andrew Bird,
Le titre de cet album d’Andrew Bird est peut-être ironique, mais c’est aussi une évaluation précise de la musique qui compose sa dernière sortie en solo. Sa composition est aussi complexe que jamais, même si le multi-instrumentiste a abandonné séparateurs et casques pour capturer toutes sortes de notes, cordes et voix se levant pour se rencontrer dans cette collection de chansons de protestation, de commentaires érudits et de chants d'amour occasionnels. . Il ya une narration vague, à laquelle les sifflements et les échos tourbillonnants de «Sisyphe» exigent que nous fassions attention; ensuite, l’album se dirige vers une confrontation dans la «guerre des procurations» inspirée par les années 60 avant de s’installer pour un long repos au «Bellevue Bridge Club». Bird a toujours fait preuve d’une grande passion et de beaucoup de talent, mais la Mon plus beau travail à ce jour nous n’avons jamais entendu parler auparavant: le cimier créatif de l’artiste le trouve très franc et mélodieux. (Danette Chavez)
Jade Bird, Oiseau de jade
Jade Bird, artiste américaine, est à la fois réductrice et contraignante. Au début de son premier album éponyme, la chanteuse-auteur-compositrice anglaise résonne à travers le rock ’n’ roll, le folk et le country sans se soucier des divisions de genre embêtantes. «Uh Huh» est un rock indépendant indiscipliné dans le sens de Courtney Barnett; les effets secondaires remarquables et le chiffre populaire criant «L'amour a tout été fait avant» ressemblent à Fleetwood Mac; et «17» est une ballade fragile au piano et aux cordes qui capture l'essence du chagrin. Comme l'indique cette dernière chanson, Oiseau de jadeLa profondeur lyrique et l’acuité émotionnelle aident également à transcender les étiquettes. «I Get No Joy» admet gaiement que le bonheur peut parfois être insaisissable, tandis que le magnifique «If I Die» est une ballade au piano dans laquelle Bird demande aux gens d'être courageux lorsqu'ils se lamentent et se souviennent d'elle après sa mort (hypothétique): «Mets-moi des mots, pas des hallelujahs / Ils viennent du cœur et sonnent juste.» (Annie Zaleski)
Charly Bliss,
2017 C’était tellement dommage de voir Charly Bliss brandir autant de claviers au début de 2019. Le cri de Klaxon de «Blown To Bits» a rapidement prouvé que le nouvel équipement n’avait pas Eva Hendricks n’a pas non plus empêché le quatuor de Brooklyn de faire du bruit, mais elle n’a pas abandonné la contrebande d’anxiétés complexes exprimées dans les mélodies sucrées du groupe. Assez jeune commence avec la chanson la plus accrocheuse de l'année sur une fausse alerte nucléaire, et les pistes qui suivent rajoutent les morsures bizarres et monstres des débuts du groupe dans le synthpop aérien des singles «Capacity» et «Chatroom». Cet écart stylistique est à son meilleur et le plus touchant sur la chanson titre, un hymne de croissance personnelle qui montre à quel point Charly Bliss a parcouru depuis Guppy. (Erik Adams)
Denzel Curry, Zuu
Denzel Curry a toujours porté une étrange malédiction: ses albums sont toujours bons, mais éclipsés par une ou deux d’une telle intensité de bombe à hydrogène que le reste ne peut s’empêcher de se sentir à plat. Plutôt que de renverser cette tendance, la nouvelle Zuu s'y penche. «Ricky» et «Wish» sont des pionniers dans le domaine de l'audition. Ils ont tellement besoin de l'audience que l'auditeur a pratiquement besoin des 80% restants pour la rappeler, ne serait-ce qu'un cran ou deux. Il est plus facile que Curry, un animateur plus intuitif que jamais, de construire ses comptines plus librement dans la cabine. Les crochets frappent plus fort, les blagues connectent plus proprement, et son hurlement punk-rock est plus aigu. Le duo de production Fanatik N Zac, respectueux de Miami, permet au rappeur de se débarrasser de tout vestige de la scène Soundcloud qu’il a contribué à fonder, sonnant ainsi plus que jamais. (Clayton Purdom)
Kyle Bobby Dunn, D'ici jusqu'à l'éternité
Kyle Bobby Dunn s’intéresse beaucoup à son dernier album, mais cela ne devrait pas surprendre les fans du compositeur de drones canadien. D'ici jusqu'à l'éternitéPremier album de Dunn en cinq ans, il bourdonne et soupire sur 18 morceaux totalisant plus de trois heures. Cela laisse à ses compositions glaciales et enveloppantes tout le temps d’évoluer, de frémir et de s’épanouir de manière à couvrir toute une gamme d’émotions, qu’il s’agisse de chagrin, de soulagement, de résignation ou de confusion. Stars Of The Lid et William Basinski sont des analogues faciles, mais on assiste à un effondrement tragique et inévitable sur des chansons comme «Le Stationnement De Finders» qui évoquent l’œuvre dramatique et précoce de A Silver Mt. Sion. Le travail de Dunn est plus difficile à analyser, cependant, son mélange assourdi d’instruments acoustiques et électroniques n’interfère pas au lieu de se figer: changer de piste revient à syntoniser une station de radio comprenant des sons en cours de traitement sans début ni fin. D'ici à l'éternité, en effet. (Randall Colburn)
Billie Eilish,
«Pense que tu es si criminelle», murmure-t-elle dans son hymne de fille méchante, «Bad Guy», murmure-t-elle. Intentionnellement ou non, la ligne atterrit comme un clin d'œil à une autre chanteuse d'enfant sauvage qui a explosé à 17 ans. jouer le méchant. Mais si Fiona Apple avouait, Eilish se moquait: Il y a des traces égales de Tyler The Creator dans son ADN créatif – pas seulement dans le sens bouffant de la mode qu'elle attribue directement au rappeur, mais dans le mélange de bravoure, de dégoût de soi et esprit qui informe ses paroles, et dans le minimalisme de la maison hantée fantasmagorique de sa production. Quand nous nous endormons tous, où allons-nous? plie ces influences et plus encore en quelque chose de distinctement irrésistible, capturant tout un spectre de crises identitaires chez les adolescentes, allant de l’attitude de règle-cette-ville («Tu devrais me voir dans une couronne») à la confusion autodestructrice («Enterrer un ami») à la vulnérabilité touchante et amusante de «Wish You Were Gay», une valse vacillante sur le sujet qui tente désespérément de rationaliser une affection non rémunérée. À la fin, Eilish a juste l'air d'être elle-même. A quoi elle aurait probablement répondu, hilarant: "Duh." (A.A. Dowd)
Lotus volant,
Flamagra est le dernier témoignage des capacités sans fin de Steven Ellison en tant qu’alchimiste jazz-funk, avec le pouvoir de mélanger non seulement des genres, mais également des galaxies entières. Le sixième album studio de Flying Lotus et le suivi de 2014 est quelque chose d'un opus céleste, de 27 titres tentaculaires qui sillonnent à travers d'immenses bandes d'espaces nébuleux. Il peut parfois être difficile de passer à la vitesse supérieure, mais les moments plus cohésifs de l’album possèdent une lueur puissante digne du principe thématique d’Ellison: «une flamme éternelle assise sur une colline». Un galop bien bouclé entraîne le film étrangement entraînant. «En fait virtuel», mettant en vedette Shabazz Palaces, tandis que l'instrument «Remind U» est un crescendo transcendant et flouteux de touches de piano qui se dirigent vers les limites extérieures de l'espace. À travers des rythmes rythmés dans «Pilgrim Side Eye» et des boucles rythmiques inspirées par Dilla disséminées, l’album est incroyablement varié sans point focal particulier. Flamagra ironiquement, est soudée par un remarquable sens d'apesanteur. (Adam Isaac Itkoff)
Ariana Grande,
Ariana Grande est actuellement à un sommet créatif et commercial – après tout, c’est un geste fort pour réunir (la plupart) N’Sync à Coachella – en grande partie grâce à sa vulnérabilité musicale. Quelques mois après 2018, Stellar est sorti. Merci U, Suivant est une déclaration d’indépendance émotionnelle vis-à-vis de tout ce qui pourrait faire chuter quelqu'un: des ex-joueurs incompatibles (la chanson-titre), des attentes de la société («Fake Smile»), un sentiment de chagrin face à l’affirmation de soi («7 sonneries») et un sentiment de suffocation. relation («NASA»). La musique de l’album – un mélange cohérent de R & B émouvant, de hip-hop des années 90 et d’électro-pop atmosphérique – est également focalisée au laser sur le mouvement en avant, car elle associe ses références de retour en arrière à une production moderne et épurée. La pop qui défend le pouvoir peut très facilement se transformer en fanfaron sincère, mais Merci U, Suivant est une rumination résonnante et relatable sur la façon de rebondir après un traumatisme personnel tout en respectant les blessures profondes. (Annie Zaleski)
Cate Le Bon,
Il serait facile pour un album réalisé isolément de s’étendre dans l’irréalité et l’incohérence, mais l’année où Cate Le Bon a passé seul à écrire Récompense La chanteuse, compositrice et interprète galloise () s’inscrivit dans un cours intensif de menuisier, ne jouant que du piano le soir pour se tenir compagnie. Et vous pouvez entendre l'effet tout au long de son cinquième album finement travaillé – dans ses arrangements architecturaux intelligents, dans les articulations en queue d'aronde où se mélangent riffs et mélodies. Le Bon canalise une énergie fougueuse en une vision excentrique et précise sur Récompense, avec des chansons qui parviennent à se sentir à la fois intimes et enlevées, poussant et tirant entre une sensibilité psycho-pop chaleureuse et une touche minimaliste art-punk. (Kelsey J. Waite)
Jenny Lewis,
"Allumez la stéréo / Jusqu'à ce que tout brille", Jenny Lewis chante à mi-chemin Sur la ligne. Et cela devrait être considéré comme une directive expliquant comment écouter le quatrième album du chanteur-compositeur: Ceci est un folk-rock riche et référentiel qui frappe comme le hip-hop – et pas seulement dans la production de batterie incroyablement punchy de «Do Si Do "Ou", "mais dans la reprise mélancolique du choeur et le pont grondant du numéro de piano mélancolique" Dogwood ". Il n'est donc pas surprenant que Beck soit Sur la ligneLe premier producteur, l’un des nombreux collaborateurs (dont Jim Keltner et Ringo Starr), que Lewis a recruté pour donner corps à ces chansons imaginaires sur la perte d’un parent et un amour de longue date. C’est l’une des meilleures œuvres de Lewis, un essaim onirique d’émotions dures filtrées par Americana: cliquetis de pantoufles rubis, cigarettes Marlboro fumées, pleurs comme Meryl Streep, qui évoquent musicalement des personnalités telles que Carole King, Chrissie Hynde, Stevie Nicks et Lucinda Williams. . (Kelsey J. Waite)
Petit Simz,
Rare est la chanson de rap qui empêche les auditeurs de deviner, sans parler de l'album entier qui le fait. Avec Zone grise, Le rappeur britannique Little Simz se transforme en un maestro aux multiples facettes. Elle passe l'intégralité de son troisième album à effectuer des tours à 90 degrés dans chaque chanson. Dans une séquence particulièrement forte, une basse grave tirée directement des égouts est suivie d'un numéro de piano intime digne d'un salon de jazz, suivi d'un numéro de guitare à cordes pincées et à cordes d'orchestre. C’est peut-être parce qu’elle a fait appel à des collaborateurs comme Little Dragon et Michael Kiwanuka au lieu d’autres animateurs, mais son flou trouble semble menaçant. Simz est sérieux et il est difficile de détourner le regard. Que ce soit le Immobilité au pays des merveilles suivi auquel vous vous attendiez ou c’est votre introduction à Simz, Zone grise voit objectivement la femme de 25 ans revendiquer un énorme morceau du paysage actuel du rap – et elle ne le partage pas à juste titre. Après tout, . (Nina Corcoran)
Lizzo,
En regardant en arrière, «Juice» était plus qu’un bop infectieux; c'était l'équivalent mélodique de Lizzo plantant son drapeau en 2019 et réclamant l'année comme sienne. Au-delà d’une arrivée explosive dans la conscience du grand public et d’un virage réussi chez Coachella, son premier LP, Parce que je t'aime, était un modèle rauque d'amour-propre. Tandis que Lizzo est principalement présentée comme une rappeuse, des morceaux comme «Heaven Help Me» modifient les voix puissantes qui changent le cœur des choses et qui en disent long sur sa polyvalence. Parce que je t'aime ne devrait pas se sentir radical; nous avons bien dépassé le temps imparti pour permettre aux gens de tous les genres et de tous les types de corps de s’aimer ouvertement. Malgré tout, Lizzo a pris un moment unique dans sa vie – sa plus grande sortie à ce jour – pour créer une collection de cris de bataille contre quiconque ou quelque chose qui ose faire obstacle à vous embrasser au maximum. Si vous n’avez pas nécessairement besoin de cette marque d’encouragement, c’est cool aussi – c’est toujours un défilé de pétards. (Shannon Miller)
Maxo, Lil Big Man
Maxo Lil Big Man C’est le type de disque sur lequel il est facile de dormir, soigné et sans fioritures, à peine 30 minutes de barres indistinctes et de rythmes oniriques. (Il partage le même nom avec un rappeur excité qui n’aide pas les choses.) Le moule est certes connu – les débuts de rap comme une autobiographie sage au-delà de leurs années – mais l’exécution de Maxo est tout autre chose. La couverture elle-même semble même vouloir retourner Illmatique à l'envers. Maxo n’a que 23 ans, mais son esprit est ontologiquement troublé (la première ligne est: «comme puis-je partir avec le même que je suis venu avec?»). Les rythmes somptueux, par une liste de sonneries underground, donnent l’impression de se retourner en arrière jusqu’à ce qu’ils se faufilent, mutant souvent à mi-chanson («In My Penny’s»). Maxo se fraye un chemin à travers ces battements beurrés comme un Isaiah Rashad plus élémentaire, ses vers comme des vérités extraites à la main d'une mémoire culturelle partagée. (Clayton Purdom)
Il y a beaucoup de musique là-bas. Pour vous aider à réduire le bruit, tous les vendredis Le A.V. club est arrondi , cinq versions récentes qui, à notre avis, valent la peine. Vous pouvez les écouter et plus encore.
Le National,
The National a toujours eu une qualité arrosée, une bouffée de whisky flottant sur la voix triste de Matt Berninger, mais Je suis facile à trouver n'est rien sinon sobre. A noter que la liste de chanteurs invités de l’album, parmi lesquels figurent Gail Ann Dorsey et Sharon Van Etten, ainsi que sa concentration lyrique qui embrasse l’existentiel en brouillant à la fois le passé et le présent, le corps et l’âme. Ces méditations sont évidentes sur des titres percutants et percutants comme «So Far So Fast» et le titre, mais les mélodies effrayantes de «Rylan» et «Where Is Her Head» devraient rassasier les fans à la recherche du groupe de rock qui les a conquis trois, quatre albums en arrière. C’est le «Not In Kansas», un discours rédemptif et rédempteur, qui sert de pièce maîtresse de l’album; que Berninger puisse encore trouver de nouveaux modes de vulnérabilité éclairants, si profondément dans sa carrière, est une révélation en soi. (Randall Colburn)
Helado Negro,
Helado Negro’s Voilà comment tu souris est comme un océan calme et tranquille: réfléchissant et chatoyant à la surface, mais avec de nouvelles profondeurs à sonder à chaque écoute. L'artiste électro-folk (dont le vrai nom est Roberto Carlos Lange) a été inspiré par les conseils donnés à la diaspora par la nouvelle de Jamaica Kincaid "," mais ses titres tendres et inquisiteurs tels que "País Nublado" et "Running" font plutôt signe. qu'admonish. Lange crée de superbes paysages sonores d'un autre monde pour guider doucement l'auditeur hors de son propre point de vue afin de mieux prendre en compte les expériences des autres. Mais il associe ce sentiment de non-amarrage à des paroles engageantes et simples et à des synthés apaisants pour nous garder tous dans son orbite empathique. Plein des sons les plus complexes de Helado Negro à ce jour, Voilà comment tu souris Cela montre comment un artiste se met au défi tout en réconfortant les autres. (Danette Chavez)
Anderson Paak,
Anderson Paak’s Ventura est le manifeste rétro d'un artiste qui a vraiment frappé le pas. Avec une sentimentalité aux teintes sépia qui rappelle l’apogée de Motown, Paak a établi son attrait intergénérationnel sérieux avec une étape continue transparente vers un son plus largement identifiable. Ventura parle indéniablement d’amour, qu’il s’agisse du romantisme ou de son ode sans équivoque à la résistance des Black avec le dynamique «King James». Des injections massives d’André 3000, de Jazmine Sullivan, de Brandy, de feu Nate Dogg, de Lalah Hathaway et de Sonye Elise elevate ce beau tour. Cependant, c’est la collaboration de Paak avec l’emblématique Smokey Robinson, «Make It Better», qui est le plus emblématique de ce qui a fait de lui un artiste remarquable au premier plan. Ventura n’est pas simplement un retour à la forme; c’est une amélioration par rapport à cela. (Shannon Miller)
Orville Peck, Poney
Orville Peck, un cow-boy pseudonyme crooner, n’a sorti son premier album qu’en mars dernier, mais l’espace qui Poney occupe occupe quelque part entre le country-rock des années 50 et le shoegaze rêveur. Cette intemporalité est ancrée dans des influences classiques telles que Roy Orbison, Elvis Presley, les autoroutes solitaires de l’Ouest et le jeune amour. Mais même une chanson de retour comme «Roses Are Falling» —qui comporte un pont de mots parlés commençant par “Tu sais, chérie…” – est une pure réinvention. «Dead Of Night» oscille entre un falsetto glacé et un baryton sensuel, Peck reprenant le flambeau dans des images de hustler et de cow-boy alors qu'il raconte un amour perdu. Un grand nombre de PoneyLes meilleures chansons subjuguer des clichés de dureté masculine occidentale, alors même si ses influences sont un peu usées, l’approche inattendue de Peck en matière de musique country est une eau fraîche dans un désert du Nevada. Et ce masque à franges profondes qu’un gadget, mais même s’il en était un, Peck a la voix et la vision pour le transcender. (Laura M. Browning)
Pile,
L’ambiance spacieuse et ouverte créée en 2017 continue d’évoluer au fil des ans. Vert et grisSeptième album studio de Pile, il y a aussi des chansons comme «On A Bigger Screen» et «The Soft Hands Of Stephen Miller», des chansons renversantes et traînantes si dures et brutales qu'elles seraient aussi à l'aise à la maison Enregistrement Stnnng. C’est-à-dire qu’il s’agit d’un album de Pile à son meilleur: expansif et explorateur, trouvant des pierres de touche fortes dans le post-rock du Midwest tournant au tournant du millénaire tout en fusionnant des éléments de country, de blues et de post-punk dans une atmosphère émouvante. ragoût frelaté Les chansons vont de l'effondrement à l'élégance cathartique, tandis que le chanteur Rick Maguire continue à devenir plus brut et plus révélateur à chaque lyrique. "Je peux compter sur un doigt les personnes qui peuvent me faire mal maintenant", confie-t-il à "Mon employeur", et cette intimité imprègne même les moments les plus féroces de la musique. (Alex McLevy)
Pronom,
Je vais te montrer plus fort Le premier album de Pronoun est peut-être celui de l'auteur-compositeur Alyse Vellturo. Diplômée de Berklee avec une expérience dans l’ingénierie musicale, la gestion et la distribution, elle possède une connaissance approfondie de la production qui se reflète dans les morceaux complexes et superposés de l’album, une collection musculaire d’électro-rock anthémique. Des chansons comme «Stay», «Sadie» et «You Did Not Not The Bed» bénéficient d’une écoute répétée, de leurs harmonies feutrées, de leurs boucles emphatiques et de leurs paroles rebelles qui donnent de nouvelles textures à chaque tour. Mais les chansons de Vellturo restent abordables: les riffs en forme de poignard ressemblent à ceux de «Run» et de «Wrong», et aboutissent à des solos extatiques. Un premier album palpitant. (Randall Colburn)
PUP,
«Je m'ennuyais comme de la merde, assis à penser à tout ça morbide.» Commence alors l'un des albums les plus excitants de l'année, un cocktail Molotov de 11 pistes de catharsis feu, bile et capricieux. Personne ne peut faire la rage et la haine de soi comme amusement en tant que punks canadiens du PUP, dont le chanteur a vaincu un kyste de la gorge hémorragique pour se déchiqueter à nouveau les poumons en demandant: «Combien de temps l'autodestruction sera-t-elle séduisante?». Cette prise de conscience aveuglante va de pair avec l'hyperbole et l'humour à la fois. le penchant de l'humanité pour l'auto-sabotage – «Bloody Mary, Kate et Ashley», par exemple, plie littéralement Satan dans un épisode maniaque. «Les enfants» et «À vos funérailles» embrassent la finalité et l'apocalypse avec un vertige enfantin. Est-ce une philosophie durable? Oh non! Mais c’est une façon amusante de passer 30 minutes. (Randall Colburn)
Solange,
Si 2016 est Un siège à la table Confirmant que Solange Knowles était une puissance créatrice à part entière allant au-delà de toute association avec son frère plus célèbre, son succès éclatant (son premier album n ° 1 dans les charts américains) semblait avoir donné une liberté créative qui définit son quatrième album. Une ode langoureuse et jazzée à la ville natale de Knowles, Houston, Quand je rentre à la maison emprunte aux traditions musicales du Sud pour un son qui fait spécifiquement référence à la culture de Houston (des noms de rue au style remix «haché» de DJ Screw), mais qui recrée également ces pierres de touche pour la prochaine génération. Où Un siège à la table était une déclaration, Quand je rentre à la maison est beaucoup plus d'humeur, jouant avec la répétition et le tempo, et tissé avec des interludes parlés. Même les invités de grands noms tels que Gucci Mane, Playboi Carti et Earl Sweatshirt ne masquent jamais l’ambiance de forme libre de ce qui est clairement la vision distincte de Solange de ce que signifie être façonné et inspiré par ce que nous appelons à la maison. (Tabassum Siddiqui)
Toro Y Moi,
Quand la plupart des musiques populaires tournent autour de grands gestes et de vagues d’enthousiasme intenses mais brèves, un album comme Paix extérieure se sent comme une bouffée d'air frais. Même s'il contient certaines des chansons dance-pop et alt-R & B les plus impeccables que nous puissions entendre cette année, le sixième album de Chaz Bear, Toro Y Moi rejetant toute sorte de grandes déclarations exagérées. plaisirs consistants et discrets. Même aux moments les plus énergiques de l’album, quand le disco funk de «Who Am I» ou «Ordinary Pleasure» cogne, Bear le joue cool, en trouvant l’équilibre parfait entre extraversion du dance-floor et réflexion ambiante. Fidèle à son titre, Paix extérieure est un répit d'un monde hyperactif, sur-typé. (Kelsey J. Waite)
Week-end de vampire,
«Hold You Now», la première chanson de Le père de la mariée, augmente un bref duo aigre-doux de Danielle Haim avec des transitions abruptes et déformées, des bavardages de microphones égarés, des oiseaux chantants et un échantillon de musique de chœur mélanésien de la bande originale. C’est beau, étrange, et l’ouverture idéale pour le nouvel album éclectique de cds-and-sods de Vampire Weekend. Quoi de plus incroyable, que ces phénomènes de la Ivy League sont devenus peut-être le plus grand nom du rock indépendant, ou qu’ils le soient tout en devenant plus aventureux à chaque nouveau disque? Plus de 18 morceaux décalés, dont près de la moitié en moins de trois minutes, Le père de la mariée se moque de l'essence contagieuse de la chanson d'Ezra Koenig, travaillant dans sa plus grande variété d'influences de genre, du pays de la guitare à diapositives à la musique électronique auto-accordée, en passant par le jazz flamenco. Il n’est pas aussi complet que l’effervescent de 2013. Mais c’est en partie parce que ce groupe jadis branché semble avoir adopté l’imperfection en tant que valeur esthétique, prenant des tours inattendus dans toutes les salles de concert. (A.A. Dowd)
Sharon Van Etten,
Il est douteux que tout autre album sorti en 2019 puisse égaler l’immédiateté inouïe de Rappelle-moi demainLe premier couplet: «Assis au bar, je t'ai tout dit / Tu as dit, 'Putain de merde. Tu as failli mourir ’” – mais les 10 titres qui suivent ne font que s’appesantir sur le passé. Les rythmes rythmés et les synthés évanouis qui font tourner une grande partie du disque défilent sans répit de style en style, les gémissements étranges de «Memorial Day» laissant la place à la goth-pop luxuriante de «Comeback Kid» et au sans faille du Top 40 des années 80, «Top 40 groove». Dix-sept. »Mais chacune de ces sections musicales à la recherche conserve l'élément le plus profond de l'expérimentation légèrement craquelée de Sharon Van Etten et de la recherche de paroles confessionnelles, rassemblant ainsi toute cette entreprise et en faisant l'un des auditeurs les plus cathartiques de l'année. Au moment où elle admet "Je ne sais pas comment ça se termine", sur l'album plus proche "Restez", vous ne le souhaitez pas. (Alex McLevy)
Weyes Blood,
Titanic Rising est un album dingue de cinéma dont la tête flotte à des kilomètres au-dessus des doigts de l’auteur-compositrice-interprète Natalie Mering lorsqu’elle danse sur les touches de son piano. Les paroles déchirées du disque aspirent à l’oubli du bonheur, et sa production somptueuse offre exactement ce qu’il faut, enveloppant l’auditeur dans une bulle sonore protectrice. Dans le mode Carole King, l'écriture mélancolique et hymne confessionnelle maintient Mering enracinée, du moins pendant un petit moment, sur le vif "Everyday" et plaintif "Something To Believe", mais bientôt, ces chansons aussi se dirigent vers le haut sur des arpèges effervescents comme ceux-là. qui élèvent la voix de Mering comme une belle baigneuse dans une comédie musicale de Busby Berkeley sur le retour éthérée de 4AD «Movies». Les yeux de Mering sont également tournés vers le ciel sur la cosmique «Andromeda», dont le vacillement wozy de la guitare diapositive illustre l’atmosphère générale du disque, akin à la sensation de flottement et aux vagues hallucinatoires qui apparaissent derrière les paupières fermées après une longue journée à la piscine. (Katie Rife)
Billy Woods et Kenny Segal, Cachettes
Pouvez-vous imaginer appeler un album Cachettes et faire la couverture? Le tout est rempli de fantômes et de trappes: la première piste s’appelle «Spongebob» et traite au moins partiellement de l’apocalypse. Elle sort ensuite une guitare électrique à fil de rasoir et se termine par un enregistrement du solde du compte bancaire de quelqu'un. 10,22 $. Ils sont tous comme ça. Par la suite, Woods décrétera qu'il ne «voudra pas voir Nas avec un orchestre à Carnegie Hall», car il est le dernier homme sain d’esprit vivant et furieux qui doit nous rappeler ce rappel. La musique de Woods a toujours été, disons, sévère, mais il a fait un bond en avant par rapport à l’an dernier (avec Elucid, comme Armand Hammer) qui se poursuit ici. Les rythmes de Kenny Segal sont minimes et inattendus, pleins de percussions au son de la mort et de nocturnités de niveau funéraire. (Clayton Purdom)
Jamila Woods,
Avec ses débuts en 2016, , Jamila Woods s'est imposée comme une présence essentielle dans R & B, bien plus qu'un associé de son amie et collaboratrice de longue date, Chance The Rapper. Suivi de Jagjaguwar Héritage! Héritage! pousse les messages politiques explicites de son prédécesseur dans une nouvelle direction plus ambitieuse mais logique. Chaque chanson rend hommage à une personne de couleur célèbre et créative, à travers laquelle Woods trouve son objectif le plus pointu. "Quelqu'un a toujours mis le papa dans la rue, et pour quoi?" Protesta-t-elle vicieusement sur le sifflement et criant "Baldwin". "Ne les laissez jamais frapper votre façon de parler / La langue dans laquelle vous évoluez, votre génie naturel, "Elle commande sur" Octavia ", une chanson convenablement galactique et synthétique pour une chanson baptisée du nom du pionnier de la science-fiction Octavia Butler. Dans l’album, la voix cristalline de Woods associe des genres aussi divers que les personnages qu’elle commémore et, à chaque mot qu’elle chante, elle affirme son propre héritage. (Max Freedman)
Young Nudy & Pi’erre Bourne, Sli’merre
Young Nudy est un rappeur objectivement cool: a) il ressemble à Gucci Mane, b) il a toute une série de mixtapes nommée SlimeBall, et C) sa mascotte semble être Chucky de. Mais l’attrait de son travail, en particulier le nouveau Sli’merre, n’est pas Nudy mais plutôt le producteur Pi’erre Bourne, l’un des beatmakers les plus excitants qui travaille aujourd’hui. Bourne est l’architecte sonore de la plupart des morceaux les plus durables de Playboi Carti, et Nudy adopte une approche tout aussi respectueuse, laissant les flûtes de «Mister» se lier avec ses tambours à ressort et croquant doucement sur l’intrigue espion du film «Extendo». . ”Une série complète de productions de Bourne peut ressembler à un terrain de jeu, à une salle de spectacle, à un jeu vidéo Keita Takahashi et à la maturité SlimeBall la série ici est étonnante. Et que ses poivrons tout au long de ses morceaux pourraient être la plus sublime des merveilles stupides du rap contemporain. (Clayton Purdom)
Zelooperz, Dyn-O-Mite/Wild Card
Dans une revue de l’année dernière, excellente et exaspérante, cette même publication a appelé Zelooperz «un Danny Brown du pauvre». Considérez ceci comme une rétractation officielle. Alors que l’émetteur de Detroit partage l’inflexion nasale occasionnelle de Brown, ils sont davantage unis par l’élasticité de leurs flux, leur goût pour les productions d’avant-garde et leur franchise biographique déchirante. Zelooperz modifie sa gamme avec deux disques depuis le début de l'année. Wild Card est une série de rêveries cauchemardesques dissonantes qui s’effondrent dans la réalité avec le «52 Pick Up», plus dévastateur encore. Dyn-O-Mite privilégie les coups durs, avec d’épaisses poches de poussière sortant des rainures. Le moment le plus marquant est probablement le «dimanche de Pâques», qui contient le seul vers de Earl Sweatshirt publié jusqu’à présent cette année, mais c’est «The Boys», qui illustre le mieux le talent de Zelooperz. Il frappe comme s'il était né dans le rythme. (Clayton Purdom)
Non-LPs
LPX,
Sur les quatre chansons Jonque de coeur, Lizzy Plapinger (alias LPX) tient la promesse de son travail précédent en s’annonçant comme une artiste pop du plus haut niveau. Depuis son tout premier titre, «Tightrope», Plapinger a repoussé les limites de la musique pop brillante, sa voix lui a permis d'ajouter un grain d'intensité parfois dure, parfois cathartique, d'intensité rugueuse aux énormes battements et cris. et réponse des hymnes de sa musique. Each of these rock-pop songs brings something different, be it the liberatory, embrace-the-mistakes vibe of “Black & White,” the eternal adolescence of “Might Not Make It Home,” the confessional angst of “Falling To Fall,” or the fist-in-the-air joy of “Give Up The Ghost.” LPX is as vital and compelling a pop artist as you’ll find, and this EP is just the latest proof. (Alex McLevy)
NCT 127, We Are Superhuman
Thanks to the cursory six-track We Are Superhuman, burgeoning South Korean pop group NCT 127 has wholly established its command of both traditional and experimental pop sounds. Though this may be the group’s fourth mini album, it’s the first to center a serious tonal shift toward the more melodic side of the genre while still managing to rest comfortably within NCT 127’s wheelhouse. “Superhuman,” a title track and that is a veritable collage of electro-pop, synths, hip-hop, and jazz, is easily one of the best songs of the band’s discography. And yet, it’s the summertime groove “Fool” that intelligently leans on the talents of all the members rather than just a few. In particular, Chicago native Johnny is granted the space to flex his skills as a rapper, and his spirited flow and confidence meld flawlessly with the breezy track (which is, ironically, about having a lack of confidence when approaching a crush). We Are Superhuman is a viable reintroduction of a group that isn’t afraid to question and test its own boundaries. (Shannon Miller)
Whack History Month
Though she hasn’t dropped an official album this year, eccentric 23-year-old rapper Tierra Whack did get us to celebrate “Whack History Month.” Each week for five weeks, the Philadelphia lyricist released a new track that showcased her tremendous versatility: the smooth R&B track “Wasteland,” “,” “Gloria,” “Only Child,” and the final, mercilessly boastful installment “Unemployed.” Accompanied by a deliciously dark music video featuring the massacre of potatoes, Whack’s commanding bars and sharp wit make her presence so exciting. Whack History Month demonstrated just why she is so hard to define: The only evident through-lines in all five tracks are her fearless approach and authenticity, regardless of the sound. (Shannon Miller)